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viernes, 22 de diciembre de 2017

Interview: Parasyche


We want to take this space to tell you that Sail Away is not only back, but we are also going to expand the content to movies, literature, series and many other topics that we may find interesting. We hope you enjoy it as much as we do.

Author’s note: if you want to read the Spanish version of the interview, go here.
Nota del autor: si quieren leer la versión en español de la entrevista, vayan para acá.

One of the things I love the most in music is finding a band or an artist that practically comes out from nowhere and takes you out of that routine or stagnation in which you have found yourself, musically speaking. This is something that usually happens a lot in Metal: you come across all kinds of bands that can surprise you and excite you with good songs and good albums of wide variety.

What I didn’t expect, after about six months of listening basically the same bands and the same albums, was finding a group of such high quality as Parasyche on YouTube. Natives of Chile, this group that is just beginning and whose debut, Insanity Origins, came out this year and they play a fascinating mix of Heavy Metal, Thrash and Progressive that will remind you of an infinity of classic bands of those styles, but at the same time with its own stamp, its own imprint. An album that’s superb and that has been my favorite of this year.

So, eager to put the blog back in the ring, I decided to contact the Parasyche boys for a very good interview where we could talk about their influences, the difficulties of the music business, the iconic video version that put them inthe map and many other things of these excellent musicians that, worth noting, are also great people and that is much appreciated.

The answers are conformed by Nico Borie (vocalist and rhythm guitar), Nicolás España (drummer), Cristian Suárez (bass) and Matías Becerra (main guitar). Without further ado, here is the interview.

KT: The first question I usually ask my interviewees is why they were dedicated to music. What inspired them?
MB: at the beginning of 2010 I had in mind to form a Metal band that could be at the level of my musical idols, which were Megadeth, Metallica, Opeth, Dream Theater, Pantera, Rage, among others. Then we put together the first stable line-up with Nico España and Nico Borie and besides sharing that musical side, we realized that we wanted to experiment and achieve a musical balance that was fresh, but that would also be able to please our audience. Finally, we defined our identity and it is based on musical versatility and on trying to express faithfully and energetically some aspects of people's lives such as frustration, madness and others.

NB: when I was a child, I was inspired by watching the video clips of bands like System of a Down, Alien Ant Farm, Gorillaz, Linkin Park. The energy those bands had and the attraction of the videos. Then there was a guitar from my mom in my house and I started using it. I was a fan of drawing, but when I took the guitar I left all the other hobbies aside.

NE: I played the guitar a long time ago; in fact I was playing with Becerra in another band, both as guitarists. At that time I listened a lot of Rage and Dream Theater. I was always thinking about music and songs that only sounded in my mind; I wrote some very basic ideas until the verse and choir of The Wolf Inside came to mind back in 2009, 2010 when a drummer came to my house and I started playing when I was 25 years old. Matías contacted me because he was looking for musicians and I told him I was learning to play, so we got together and that motivated me to continue with drumming.

CS: since I was little I was linked to music through my father and my brother, who have listened to Rock music all their lives. I grew up watching videos from Iron Maiden, Metallica or Guns 'N' Roses on VHS, for example.

KT: This is another question I usually ask to present its influences. Name your ten favorite Metal albums.
I had a hard time choosing (*laughter*).


NE: Favorite albums, but not in order.
NB: aaah, I forgot about Tool's Lateralus (*laughs*).

Use Your Illusion 1 and 2 – Guns ‘N’ Roses

KT: What are the difficulties that a Metal band can have in Chile? Any aspect in particular that complicates you?
NB: the difficulties are all you can imagine. There is nothing in your favor: neither the producers, nor the number of people who support the national stuff-although there are many metalheads-, how expensive it is to produce records, the lack of broadcasting on radio, how difficult it is to play live and that you feel happy with the sound.

MB: In Chile there are a lot of metal fans, but they usually support bands that are world famous. It costs a lot to give emerging bands a chance. On the other hand, the underground scene is modest and there are no resources to do things of good quality–from organizing events with good sound and good broadcast to record an album or whatever. That means that the work is double because, apart from doing the musical work, we have to finance or self-manage what we do to the last detail, considering that each of us has full-time jobs and that we have to combine the music with the rest of our lives.

CS: the diffusion will always be difficult in a fashion-led country and that in general does not value the efforts of emerging bands like us, preferring foreign bands, when here there is very good material and excellent musicians, but the reality is that there are very few options here in Chile to succeed. It is a matter of seeing the scene a little: all the bands that seek success go abroad to squeeze the potential of their band. I hope that someday this situation will change in favor of the maximization of the Chilean musical culture.

KT: and well, another aspect of Parasyche is that you are very aware of your context. I mean, I'm included in the group of people that met the band because of the cover videos you guys made. What do you think of the role of the internet in Metal, considering that you grew up in this era?
MB: Nowadays, the audience that listens and consumes Metal does so mainly through the internet. Today few people buy physical discs compared to how it could have been a few decades ago and we wanted to make ourselves known. We find musical content that is potentially viral because of Nico's imitations and humor in Metal, and we use it for our work. So far, this year's campaign has been a success, but we are aware that it’s not enough if we want to go far in music. So now we plan to continue exploring digital channels with viral content that publicizes and enhances the original content. This is a work in parallel because it doesn’t help to have publicity if we don’t make new original content, and we are aware of this. And that forces us to keep innovating so as not to bore. We hope that one day this will give us a solid enough foundation to be able to devote 100% to our original musical content.

NB: the internet has its bad things, but today it is vital for diffusion. We knew it and when I discovered that I could make people laugh by imitating vocalists, I knew it was something that could work on YouTube, so we decided that we should take advantage of this to get attention and promote our first album. In other times the musicians disguised themselves to attract attention; nowadays you can do that through memes on social media (*laughs*).

CS: at the moment it’s a low-cost tool and it’s available to many people, who tend to be users of audiovisual consumption platforms; you just need a good idea and with the help of a lot of exhibition work it can become known in the scene, especially with young people. It’s a good weapon that we don’t rule out to continue exploiting.

KT: well, I can safely say that your original content has been a pleasant surprise. And speaking of the content, where do you get the ideas for your lyrics? Perhaps you could mention some of the ideas that were behind the songs of Insanity Origins.
MB: mainly the lyrics have been born out of personal experiences, such as Box of Hate with the theme of rage or Vesania with those of taking justice into one's own hand, or facts or stories that have caught our attention as Detonation, which speaks of a massacre, or Cachafaz, which is the legend of a Chilean demon. To that we add our own crop to try to generate striking letters and convey a certain emotion in each theme.

NE: they are also born of things that we wanted to express, as is the case of The Wolf Inside, which talks about pastors of some religions who are known for cheating people. Some are concrete facts, other are ideas, personal or collective visions and others are purely narrative fictitious stories.

NB: I can talk about the lyrics I participated in the most: Vesania is inspired to take justice into their own hands against any abuse and for that reason we decided to link it with the story of the movie Taxi Driver to facilitate the story. On the other hand, Cachafaz is a much unknown Chilean myth that I found in a book about a demon that people can invoke to acquire musical powers. And Need deals with addictions that lead to death. We do the music first, or at least on this album it was like that, and then we look for a letter that coexists with the music created.

NE: exactly. Once the song is created, we introduce the idea that is musically closer to the concept of the song. When we were writing Detonation we knew that it was a subject about madness because in the first riffs the idea was already clear; I think it was one of the few topics that were written with a clear idea, that would express madness, and then the lyrics were made based on a fact of maximum madness.

CS: I joined the band again when the lyrics were already in their final phase. The lyrics, in comparison to many bands, are structurally very well done: each word is well thought out, the theme is entertaining, very good concepts were used and fortunately yielded very good results.

KT: unfortunately, I have not been able to follow up on the entire album promotion. Have you been able to do concerts? Any of great importance or meaning to you?
NB: due to several reasons we had not been able to do live concerts. It wasn’t until October 28 when we were ready and that was the official debut. In the new video for The Wolf Inside, we included images of that very important day for the band.

CS: It was our official launch in which a large number of fans attended in a private session where we only played and shared with all the people who came to see us. It was a dream experience.

KT: there are other plans in the near future?
NE: Of course. At this moment we are coordinating other concerts: seeing the place and the date; where we can get a big place; a place that is comfortable, of course. We also want to do a national tour and maybe, who knows, go to other countries.

CS: obviously yes; we must enhance everything that means exposing ourselves to the environment, little by little, to be known by our music more than by Borie’s imitations, which undoubtedly helps us a lot, but we hope that this will be equaled or reversed against the generated music.

KT: something that struck me about Insanity Origins is how eclectic it is: in that album you get many influences and styles. Where can you go, musically speaking, after this work, considering that you have already covered a lot?
NB: we would like to continue promoting ourselves as a metal band without label, that is, to maintain that versatility of Insanity Origins, which is the product of the freedom and comfort of not having to do only Thrash or Heavy Metal, but to be able to explore and mix varied influences. I think that for the next album we will also explore more in the vocals because several of us can sing, and also because of the "pressure" that I now have as a vocalist that can accommodate different vocal styles. You have to get more out of that. There will also be greater use of bass strings on guitars.

MB: we have enough material. Now, looking at what we have, I can think that the disc will be something more experimental. It will remain versatile, but this time it will surely evoke more varied emotions than Insanity Origins. Ideally we want to mix this new batch of fresh ideas and land them in order to catch those who listen to them and maintain that musicality that Insanity Origins has, leaving melodies or passages spinning in the mind after listening.

CS: it is probably where I will give a bit of my influences, which are already well varied, as you realized. I also compose and hope to deliver some touches that add a little more aggressiveness and brutality without leaving aside the melody and complex compositions; that Thrash and Progressive side. It is what comes closest to continuation, but renewed.

KT: or you can do like Paradise Lost and go Electronic-based Pop after an album or two. Do you have any curious or funny anecdote that happened to you as Parasyche?
NB: a funny fact that occurs to me is that we didn’t plan to make a video for Detonation. It wasn’t going to be a “single”, but it has become by far our most known song thanks to the video. We have other singles in mind, but due to how expensive is to make a video, we decided to make a simple one first and then do videos with a bigger budget. We also didn’t consider The Wolf Inside as a single. In the coming months we will have some news regarding videos we did plan.

KT: leaving the musical subject aside, do you have other interests behind music? Any other passion?
NB: beer.

MB: I am an Engineer and I really like the world of technology. I’m attracted to the subjects of data analysis, artificial intelligent and stuff like that. Yes, beer too (*laughter*). I know that both Nicos are really into digital things, internet and social media. That’s why it wasn’t so surprising we ended up using YouTube as a platform.

NB: yes, I really like graphic design (it’s also my profession), movies and TV series.

NE: I like a lot mixes and try new techniques and sounds. Also I am passionate about biking. We always talk about Youtube was the right platform for our goal.

CS: I like cars so much. I like nut´s world; Beside I am not a mechanic I like to go car events and shows. And that constant professional perfectionism.

KT: Have you had moments of doubt? I know that music world is complicated. How do you keep yourself motivated to persevere?
MB: We have had difficulties of course. We have had strong discussions where we can´t reach an agreement, but in the end the fact that we are friends and have a common dream is stronger. And constantly we work about band communication: the way we take decisions; respect and confidence. Every year we get better a little in those aspects.

NE: as Matías said it´s though and it cost because each one understand and have different concepts about everything, but we try to work especially our personal relationship. That´s why we sometimes try to just hang out to have a good time.

CS: in this current line-up there´s no doubts; only desires to keep growing and guarantee us as band, mates and friends.

KT: I always have curiosity about how bands last so many years: it used to be three, four or more people trying to stay agree in the same point and that is complicated. Do you have some method to reach an agreement or it depends on circumstances?
MB: we are four. Normally we exposed our points of view and if there´s no a clear agreement, then we vote. If it is a draw, we argue again to support one idea or another, and if after aaalllllllll there´s no agree…face or tail (*laughs*).

NE: generally in the band, the idea that is best accepted for the rest is the chosen one. When someone arrive with an extensive idea, generally can decide about it, but if the rest of us disagree with it, we try to reach a middle point and normally try to stay everyone happy. When there´s no agreement, we use the coin (*laughs*).

MB: each one understands what it´s the healthiest is to grant every time we can. All ideas are important and sometimes the mix between two or more ideas it´s the best.

NE: as Matías said we learnt to grant. And that avoid maaaany problems and save us a lot of time.

CS: We all exposed arguments, as you can see, in front of any situation, delicate or not. If there´s no agreement, then voting, as the guys said. The minority respect majority´s decision.
KT: well, to finish I would like to thank you once again for this opportunity. At last I ask you to send a message to all the people who read this interview.
MB: hi everyone (*laughs*).

NE: thank you so much for the time and space. I hope you can support not just us but emerging and new bands from your own lands. That way you can help Metal to be bigger.

MB: greetings to all metalheads in Venezuela, Latin America and the world. We thank you for take the time to read us. We invite you to enjoy our material available in YouTube, Facebook and Spotify, and we tell you in humble way that you will keep having news about us, because we are motivated to do new and better Metal lml.

NB: thank you very much for read us and a Sail Away for divulge this. A hug to all who read and enjoy music with us. We are happy for all support we have receive and we just want to keep going and visit many countries.

CS: thank you very much for the opportunity to show a little bit about Chilean Metal also has something to say. We invite you all to listen our album, Insanity Origins. Greetings


jueves, 19 de enero de 2017

Crítica: Permanent Vacation, el glorioso retorno de Aerosmith.

Adáptate o muere. Ésa parece ser la consigna del hombre en los últimos tiempos: el tener que aceptar los diferentes cambios que se desarrollan en su entorno de manera forzada o natural y encontrar la manera de convivir con éstos, o invariablemente convertirse en una pieza desechable del gran engranaje de la vida. Ahora bien, adaptarse a los cambios es algo que puede ser hecho por más personas de las que creemos; es algo sencillo en algunos sectores, incluso. La verdadera dificultad radica en balancearse sobre la afilada navaja de la identidad y no perder esos elementos característicos que hacen a esa persona ser ella misma; entra a la escena el Permanent Vacation, el regreso glorioso de Aerosmith a la gran palestra musical y que nunca debieron abandonar para hacernos entender la naturaleza de la adaptación.


El álbum de 1987 es un trabajo muy renombrado, discutido y querido entre los aficionados de la banda de Boston. Renombrado porque vendió una alta cantidad de copias, posicionándolos entre los grandes del momento después de casi una década en la obscuridad, cosa que no le sienta nada bien a unos músicos tan buenos (y facheros, hay que decirlos) como éstos; discutido porque para muchos seguidores de la banda significó el comienzo del fin y el punto exacto donde se encomendaron al “showbiz” para salvar sus carreras; y querido porque, simple y llanamente, es condenadamente bueno. Permanent Vacation es todas esas cosas y muchas más; es un punto de quiebre en la trayectoria de la agrupación y Aerosmith no volvería a sonar como en los 70s nunca más tras la realización de esta obra. Guste o no, es la bisagra que divide el catálogo del grupo y simboliza un antes y un después en la manera de componer; si no me creen, el propio Tom Hamilton, bajista de la banda, admite en la biografía oficial del grupo que “tuvimos que examinar todo nuestro proceso de componer y reestructurarlo”. No hay nada particularmente malo con esa frase –experimentar y cambiar es parte de la vida del artista-, pero es el cómo lo que incomodó a muchos seguidores e incluso provocó la iracundia de los más irredentos. Pero todo tiene su motivo y vamos a analizarlo.

Regresamos a 1985 y el álbum de reunión con el gran Joe Perry y Brad Whitford, Done With Mirrors, fue el primer esfuerzo de la banda para reconquistar el imperio perdido y, aunque a un servidor le parece bastante bueno, no se tradujo en las mejores opiniones y tampoco fue un éxito de ventas. Aunado a eso, todo el grupo estaba inmerso en una vorágine descendente de adicciones de la que parecían no hallar salida y habían quedado en un segundo plano por agrupaciones que habían crecido escuchándolos y tomando cosas de ellos como Quiet Riot, Ratt, Stryper, Mötley Crüe y un infinito etcétera de spandex y melenas cardadas. En un juego de Hard Rock sensual, sucio y fachero, Aerosmith estaba relegado por la nueva generación. Cómo habían caído los poderosos.


Y fue en esa marea de problemas económicos, de adicciones y poco éxito musical que, en 1986, el grupo de Rap, Run-D.M.C., le pidieron a Perry y a Steven Tyler que participaran en su versión de Walk This Way para su álbum Raising Hell. El video teniendo a Run-D.M.C. rapeando la canción mientras que en otra habitación Perry y Tyler hacían lo suyo respectivamente fue un hit de altas proporciones; era el tipo de triunfo que los “Toxic Twins” necesitaban para recordar el sabor de la champagne y, más importante aún, lo bien que esto se sentía. Vamos a ser claros con algo: Aerosmith es una banda adicta al éxito comercial y siempre lo han sido. Les encanta vender millones, tocar en grandes arenas y si pueden hacer tremendos álbumes en el proceso, lo harán. Sin esa necesidad de grandeza, sin ese deseo imperante de estar en las portadas de las revistas y que todo el mundo se conozca sus canciones (así sean baladas que provoquen diabetes), esta banda se hubiera muerto tras su debut homónimo, que pocas ventas tuvo. Permanent Vacation los muestra recuperando ese deseo de gloria y hacer lo que sea para triunfar, así sea recurrir a las infames “artes oscuras” del mundo de la música.

Para la realización de este álbum, en el que contaban con el apoyo un poco restringido de Geffen Records, los cinco miembros entraron en un régimen duro de rehabilitación para empujar todos esos vicios que los estaban consumiendo y decidieron aplicar una metodología de trabajo un tanto diferente, como apuntamos antes: compositores externos. Y no sólo cualquier grupo de compositores externos, sino algunos responsables de los hits más icónicos de los 80s: Desmond Child, Jim Vallance y Holly Knight. Agregamos a esa ecuación al productor Bruce Fairbairn, quien trabajaría con ellos en los dos próximos álbumes (y qué álbumes, Pump y Get A Grip), siendo uno de los principales baluartes de la resurrección de los de Boston. Un personal totalmente enfocado en que Aerosmith sonara lo más pulido, accesible y preciso posible. Que sus melodías de Rock fiestero y alegre se quedaran en la cabeza del oyente con solo una escucha descuidada. Tampoco era una misión complicada puesto que Tyler y Perry, las principales mentes de esta operación de reconquista, estaban enfrascados en sonar así y su música siempre tuvo ese ápice accesible y disfrutable que tienen todas las grandes bandas y artistas. Si hablamos de bandas de Rock estadounidense, solo KISS se le acerca a los Aerosmith de los 70s en términos de popularidad.


Combinamos ese contexto, esos agentes externos y la disposición de la banda por dar un golpe en la mesa y tenemos Permanent Vacation, un trabajo y detallado esfuerzo musical por atrapar el mercado musical. Que nadie se confunda: el álbum del ’87 es deliberadamente adictivo y cada canción, cada nota y cada letra está trabajada para funcionar. Una sola escucha, tras haber degustado el catálogo previo del grupo, nos hará saber que distamos mucho de los tiempos crudos e incluso orgánicos de Get Your Wings o Rocks, por mencionar dos ejemplos, teniendo en cambio un álbum muy ochentero, pero que aún tiene ese sello que ha hecho a esta banda tan grande. Hasta la portada, contrastando el rojo del diseño con el amarillo del logo, nos dice que algo diferente va a pasar aquí. Siguen siendo Aerosmith, pero en su versión de los 80s y ultra pulidos para asegurarse de que todos los capten. Por si hay dudas, por supuesto. ¿Y quién puede criticarles si suena tremendo y les dieron cinco millones de ventas? ¡Todos ganan!


Ya sabemos que esto ha cambiado y que Aerosmith no vienen a conformarse con un álbum de medio pelo cuando Heart’s Done Time ataca con ese redoble de batería estridente de Joey Kramer, demostrando que recibió el tratamiento sonoro de casi todas las baterías de los 80s, y que Tyler chilla como no se le escuchaba en un buen rato. Debe ser uno de los inicios que más se me ha grabado en la cabeza. La canción como tal es maravillosa: la producción es clara como un cristal pulido, cada riff de guitarra y cada golpeteo de batería se escucha con precisión, las vocales de Tyler suenan de órdago y todo eso está bien empaquetado en una composición que hace lo que un buen opener debe hacer: despertarnos, adentrarnos al mundo del álbum y engancharnos. Perry y Whitford suenan más estridentes que nunca y eso será una constante en una obra llena de sorpresas. Como su título, la canción irradia vacaciones, playa y verano: es un tema muy en la línea del nuevo Aerosmith.

Continuamos con tal vez mi canción favorita de la banda y la que me terminó de convencer con el álbum tras Heart’s Done Time, Magic Touch. Un ejercicio magistral de lo que es el Hard Rock de los 80s, como si los de Boston les dijeran a la vastedad de grupos Glam que el que tuvo retuvo y que sabe de qué se trata esto. Kramer está como una ametralladora en la canción, las dos guitarras son magistrales con una energía inusitada en años y Tyler suena como un hombre renacido, que cree en cada línea que canta. Esta canción suena como el álbum y la banda en este punto de sus carreras: refrescante, llena de energía y rebosante de vida. Es una composición que va a por todas y sirve para demostrar a más de uno que estos muchachos saben de algo más que baladas. Simplemente genial.

El álbum produjo varios hits y videos musicales que ahora son sagrados de los 80s, uno de éstos siendo la juguetona Rag Doll. Debe ser mi debilidad por la voz de Tyler, pero esta canción siempre me ha gustado y con otro vocalista probablemente no hubiera sido el caso: las secciones viento, el ritmo tan alegre y la batería atronadora y rítmica hacen un contrapeso notable a un Tyler soberano que se carga el peso de la pieza y se nota que realmente estaba disfrutando con esas improvisaciones que hace al final. Simoriah es otro tema poco conocido de su catálogo y es un tema veloz para los estándares del grupo, con unos punteos muy buenos y un Kramer cuyo trabajo en general es sobresaliente en Permanent Vacation. Tyler en su línea: robándose el show. Pero me quedo con los instrumentistas que realmente hacen que la canción gane enteros y sea muy disfrutable, en especial Perry haciendo de las suyas en el solo. Ciertamente ya no estamos escuchando la crudeza y el tono añejo de Nobody’s Fault, Back in the Saddle o Toys in the Attic, pero tienen el gancho y tienen la calidad.


Dude (Looks Like A Lady) es otro single y sigue la línea expuesta por Rag Doll, con su estilo fiestero, sus secciones de viento y en general aires alegres. Una diatriba de Tyler muy a su estilo contra Vince Neil de Mötley Crüe, quien se peleaba con todo el mundo por esa época, esta canción nunca fue una de mis favoritas; puedo escucharla y tal vez tararearla un poco, pero hasta ahí. No soy muy fan de ésta, siendo sincero. Para recuperar algo de su pasado, para demostrar que aún tienen eso del Blues de sus comienzos, St. John parece entrelazar sus primeros temas con la producción ultra-pulcra de este álbum, haciendo un hibrido que a un servidor le encanta. Como pueden imaginar, Perry y Whitford son protagonistas aquí y suenan pletóricos, muy energéticos y con ganas de comerse al mundo, como no se les escuchaba desde Rocks, si me preguntan.

Las adicciones dejan secuelas y malos recuerdos; cicatrices con las que uno debe marchar por esta tierra y los de Aerosmith, habiéndose gastado la fortuna de un país pequeño en drogas y demás, conocen esta moraleja bastante bien. Hangman Jury es una letra de precaución acerca de sus adicciones y se sumergen aún más en las aguas Blues de la canción previa, con un Tyler experimentando con su voz y gozando con su dichosa harmónica. Girl Keeps Coming Apart se puede describir en una sola palabra: pegajosa. Es increíblemente adictiva y pegajosa, que no se necesita mucho esfuerzo para que se quede en tu cabeza y las secciones de viento –tal vez la única banda de Hard Rock que han usado estos instrumentos tan seguido- me parecen bastante buenas, aunque mis inclinaciones musicales no estén tan volcadas por ese lado.


Y llegamos a la pieza de la discordia; la canción cuyo éxito muchos han calificado como el comienzo del fin de Aerosmith como una banda de buen Hard Rock. Angel es la declaración absoluta de que el grupo estaba en una búsqueda perenne por el éxito, vender millones y ser aclamados de nuevo como un nombre de clase mundial. Una balada romántica altamente comercial, con Child aportando en la composición, un video musical extremadamente cursi y que está descaradamente diseñado para vender, como si les importara un demonio que los atacaran por eso. ¿Y quieren saber cuál es la peor parte? ¡Que es muy buena! Y lo digo sin que me tiemble el pulso porque dejando de lado todas las discusiones acerca de integridad artística, lo primordial para un buen músico es hacer una canción que atrape y esta balada azucarada lo es, nos guste o no. O tal vez me he suavizado con el tiempo; de Celtic Frost y Dissection no puede vivir el hombre. Aun así, comprendo la rabia y descontento con esta canción: aunque Angel me parece una gran composición, marcó la fórmula de sus baladas por el resto de sus carreras y cada una parecía perder un poco de esa magia que las hacía tan geniales para empezar. En ese sentido, puedo entenderlo. Ahora, estando ustedes en la posición de estos cinco caballeros, acostumbrados a un cierto estatus y logros, ¿no hubieran hecho lo mismo? Tal vez no porque no todos somos iguales. Pero me inclino a que la mayoría hubiera hecho lo mismo.

El tema título parece, como muchos momentos del álbum, beber del mismo pozo que todas las bandas del Sunset Strip y emana ese aura descarado que se puede escuchar en un Bon Jovi o en un Cinderella de los comienzos. Me parece un corte solvente, pero poco más; rara vez lo escucho cuando me siento a degustar este álbum y opino que tal vez haberlo hecho un poco más directo como Heart’s Done Time o Magic Touch hubiera sido más beneficioso. De todas formas, Perry hace buenos punteos de guitarra y eso siempre es motivo de alegría. Como si quisieran mostrar una vez más su versatilidad, meten en el álbum un cover de The Beatles de la canción I’m Down, con la banda en estado gracia y un Tyler que suena, como siempre en Permanent Vacation, imperial con esos chillidos al final que son simplemente demoledores. Breve, pero efectivo el cover. Y para terminar, una instrumental de carácter sombrío y serio (al menos para una banda tan alegre como Aerosmith) llamada The Movie donde al pobre Hamilton por fin le dan su momento para sobresalir y se desarrolla en una pieza disfrutable, sin mencionar curiosa en el catálogo de la banda.


Y como hemos mencionado en varios pasajes de la crítica, Permanent Vacation volvió a encumbrar a Aerosmith, vendieron millones de copia y pudieron conquistar a una nueva generación de fans, reinventándose en el proceso. Tal vez el grupo de los 70s que mejor supo adaptarse a los tiempos que se fraguaban en esa década. Geffen Records lo sabía y decidieron exprimir a su nueva gallina de los huevos dorados llevándola de gira con un grupo de telonero que estaba promoviendo su nuevo álbum: unos tales Guns ‘n’ Roses. Los resultados por supuesto fueron hilarantes con Axel y compañía teniendo que controlar y disimular sus adicciones porque Tyler, Perry y los demás les dijeron que no querían ver ninguna de esas cosas. De todas maneras, eso no podía evitar la curva ascendente de los de Boston por ese entonces y eso se tradujo en otro álbum monumental como Pump y abrir la siguiente década con otro bombazo como Get A Grip, haciendo que Aerosmith descansaran en el panteón de los grandes del Rock para toda la eternidad. Claro, luego el rey comenzó a sangrar y a demostrar que era humano, produciendo álbumes y singles no tan buenos (que seguían vendiendo, eso sí) como muestra de que las ambiciones tal vez se estaban perdiendo. Nunca sabremos si hubiera sido lo mismo si nunca hubieran aceptado cambiar para el álbum del ’87, pero todos sabemos que las cosas no volvieron a ser las mismas después de éste.


Al final del día, Permanent Vacation es un álbum de Hard Rock fenomenal, lleno de vitalidad y que exclama a gritos que ésta es una banda que se puso las pilas una vez más. Uno de los mejores trabajos de retornos de la historia, sin apelantes. El álbum que demostró que Aerosmith aún tenían el “toque mágico”.

martes, 16 de agosto de 2016

Crítica: Obituary – World Demise



El Death Metal a finales de los 80s y a principios de los 90s fue, a mis ojos, una de las revoluciones musicales más puras y excitantes en todas las vertientes rockeras y metaleras que han surgido en las últimas seis décadas. ¿Hipérbole? No lo creo. Pocos movimientos musicales han nacido con un ideario tan claro y que tuviera una sucesión de escenas tan prolíficas en tan poco tiempo; a finales de los 80s y a principios de los 90s se formaron un cúmulo de agrupaciones que tomaron su base del Thrash y lo llevaron a paradigmas más cruentos, avasalladores y oscuros que, simple y llanamente, sobrepasaron muchos de los límites que sus coetáneos no pudieron (o no quisieron) romper. Sin pasar la raya del extremismo radical del Black Metal noruego, el Death Metal fue, por esos años, la máxima expresión de brutalidad que el género podía ostentar. Y la revolución Deather a principios de la década noventera probó que había cabida en el mercado para grupos como Morbid Angel, Death, Deicide, Entombed, Carcass, Cannibal Corpse y nuestros protagonistas de hoy, Obituary. Y éstos últimos fueron vitales para demostrar que todos los senderos no estaban transitados y que había mucho más por recorrer.

La banda de los hermanos Tardy ya era, a mediados de los 90s, uno de los grupos por antonomasia del mundo del Death Metal con su propuesta de riffs embrutecidos, velocidad reminiscente al Thrash y un John Tardy que era (y es) una bestia invocada por los mismísimos infiernos en las vocales. Sus letras dibujaban esas imágenes de muerte, tinieblas y torturas que uno podía visualizar mediante su música; eran la agrupación que encarnaba todas las idiosincrasias del Death Metal y además de eso, eran uno de los grupos más solventes en el área de mercadeo –solo hay que ver cómo su tercer trabajo, The End Complete, es uno de los álbumes más vendidos de la historia del sub-género. Pero como dijimos en el primer párrafo, habían senderos que no habían sido transitados para muchos de estos grupos y ya a mediados de la década de los 90s, el Death Metal comenzó a entrar en un proceso de reestructuración donde tocaba probar con fórmulas nuevas y en 1994, Obituary hizo caso a esa instrucción con su cuarta obra, World Demise. Uno de esos primeros coqueteos de los de Tampa con caminos no tan arraigados a los puristas del Death crudo y abrasivo, pero aún manteniendo la esencia de lo que los hizo inmortales en el mundo de nuestra música.

Como dijimos en la crítica del Burn My Eyes, el Groove Metal había surgido en el intermdio de la década como una alternativa sonora donde predominaban los riffs y los ritmos más contundentes; nuestros muchachos de la escena Deather supieron percatarse de la escena que se estaba montando en su país y decidieron agregar elementos de la misma a su sonido netamente agresivo y avasallador. World Demise no solo presenta a uno de los bastiones principales del Death Metal ralentizando su sonido y añadiendo riffs más mugrosos, sino también haciendo un cambio de estilo en sus letras: aquí abrazan unos conceptos líricos más vinculados a la crítica social acerca del medio ambiente y pertrechos al maldito ser humano que no para de matar al mundo en el que vive. Pocos álbumes lidian con este tipo de temáticas en sus letras y es un motivo por el cual World Demise sobresale como una de las ofrendas musicales más interesantes del extenso catálogo de Obituary: una habilidad para mantener la (im)pureza de su sonido y aún así alterarlo hacia un mercado más extenso. Incluso en la portada dejan atrás las masacres, las imágenes oscuras o tenebrosas para dar paso a la realidad de la contaminación, que es al final del día la verdadera tenebrosidad del mundo. Comprendieron que no hay mayor brutalidad que lo real e invocaron a los demonios más sinceros que pueden existir: los seres humanos.

Nuestra espiral descendente de la condición humana comienza con un trallazo en toda la extensión de la palabra como es Don’t Care, que es un corte que encarna las idiosincrasias del trabajo en su totalidad. Este tema fue el título de un pequeño EP que publicaron antes del álbum y supone una declaración muy clara de sus intenciones puesto que los riffs son más brutos y básicos en comparación con lo hecho anteriormente; pero que aún disponen con la fuerza y el buen hacer de la agrupación. Mucho énfasis en las guitarras de Peres y West y las vocales de ultratumba de John Tardy que suena más deshumanizado que nunca; una encarnación apropiada de la idea del álbum. Un poco más monolítica y con tintes de himno es el tema título, donde la batería de Donald Tardy impera más; oído a esos pasajes que suenan casi a nave alienígena –lo sé, es una referencia estúpida, pero es lo que se me ocurrió al escucharlo- y que le da un porte un poco más épico a la canción.

Burned In comienza lenta, taciturna, como quien no quiere la cosa; una vez que prorrumpe la voz de Tardy nos lanzan a su clásico sonido fangoso y que aquí ha ganado ciertas tonalidades de Thrash y Groove; es realmente un corte arquetípico de la agrupación. El siguiente tema me gusta bastante; Redefine es una composición que inicia con unas voces pregrabadas y que explota con una estructura un poco más rítmica que las canciones previas y que incluso, sin ánimos de sonar controversial, me recuerda en sus momentos más álgidos a lo que haría Sepultura con el álbum Roots en el ’96 –tal vez Max y compañía tomaron algún que otro dato de esta pieza. Más cambios de ritmos y revoluciones se muestran en Paralyzing, que es quizás una de las piezas que más se asemeja a las de sus primeros álbumes y que servirá como un punto de remembranza para los aficionados que estén clamando por algo un poco más clásico; estoy seguro que su alta velocidad y sus pasajes un tanto intricados alegrarán a los oyentes más exigentes de este rubro.

Tal vez uno de los defectos del trabajo es lo homogéneo que puede llegar a sonar puesto que hay muchas similitudes entre varias de las canciones, cosa que se puede demostrar en cortes como Solid State, Splattered o Final Thoughts. Aunque los de Obituary nunca han sido los más virtuosos a la hora de escribir, les recomiendo su lectura porque considero bastante encomiable a una agrupación que se salga de su zona de comodidad para redactar ideas un tanto más intricadas y trabajadas. Más tralla de la buena con Boiling Point, Set In Stone y Kill For Me. Realmente no hay mucho que un servidor pueda acotar ya que muchas de las canciones se basan en la contundencia de las guitarras, un modelo de composición muy basado en medio tiempos que solamente pueden ser definidos como fangosos y un Tardy que está, como siempre, pletórico.

World Demise fue el intento de Obituary de desmarcarse de los paradigmas en los que se hallaban y entablar un trabajo que fuera un poco más atrevido y con un mensaje mucho más trascendental que las típicas líricas sobre matanzas, zombies y descomposiciones corporales. Y aunque musicalmente hablando tal vez palidezca en comparación con sus hermanos mayores, esta obra de los de Tampa supone el primer intento por mantenerse relevante en el mundo del Metal e ir más allá de una escena que ya comenzaba a cansarse de las bandas de Death Metal que trataban con líneas musicales y compositivas bastante similares. Siendo uno de los grupos más icónicos y representativos del movimiento, supieron tomar al toro por los cuernos y arriesgarse con una obra que, a criterio de un servidor, gustará tanto a propios como extraños. Solo se necesita una mente abierta. O citando a Obituary: ¿Acaso no te importa?

sábado, 6 de agosto de 2016

Crítica: Lords of Black – Lords of Black.




Se ha vuelto casi rutinario despotricar contra las nuevas bandas de Metal por el simple hecho de no haber surgido en los 80s o 90s. Constantemente escuchamos y leemos críticas acerca de cómo el Heavy Metal ha perdido la capacidad de producir talento como lo hacía en su época dorada –por algo le dicen “época dorada”- y que los grupos que surgen hoy en día no son más que viles copias de los bastiones que erigieron esta maravillosa música. Una verdad a medias, en realidad. Sí, muchas agrupaciones que aparecen en la actualidad son poco originales, no inventan nada y no hacen más que seguir con los mismos patrones de siempre; pero también hay grupos que saben utilizar dicha fórmula y producir álbumes que, aunque para nada innovadores, saben hacer disfrutar y ésa es la razón de ser la música: de hacer disfrutar al oyente. Pareciera que eso se ha perdido y solamente se exige, se demanda, que el artista rompa todos los paradigmas; no todas las bandas pueden salirse del libreto y a veces hay que entender que la calidad radica en saber ser convincente y hacer tu forma de arte con aplomo. Entonces tenemos a Lords of Black, que es una agrupación que no vino para cambiar al Metal, pero sí para hacerte disfrutar como un enano con una dosis del mejor Heavy clásico. ¿Les parecen cansinos o con poca inventiva? Pues pueden eliminar esta pestaña que voy a darme gusto escribiendo.


Esta banda oriunda de Madrid es una de las agrupaciones modernas que ha ganado una cierta notoriedad por su propuesta tan deudora del Metal de la vieja escuela y su vocalista, Ronnie Romero, que suena como la reencarnación del mismísimo Ronnie James Dio. Vamos, hasta se llaman igual. Una agrupación que se basa mucho en la contundencia de su instrumentación, de unos estribillos mortales y el portento vocal que es Romero, Lords of Black han sabido hacerse un hueco en la escena europea y, poco a poco, van subiendo escalones como una de las propuestas más encomiables de este rubro musical. No cae mal en absoluto que su vocalista se uniera a los resucitados Rainbow para ganar un poco más de conocimiento en el gran espectro de la comunidad metalera.

Para entender a esta banda española y lo que ofrecen, primero que nada hay que comprender un concepto bastante sencillo: Lords of Black no vinieron para innovar. Influenciados notoriamente por la música del finado Dio y de los Masterplan en sus primeros álbumes –aquellos con Lande-, los de Madrid desempeñan una música pesada, bastante clara en su idea y basándose, principalmente, en el poderío vocal de Romero. Su álbum debut homónimo juega a lo seguro: riffs potentes y marcados, ritmos (mayoritariamente) acelerados y aprovechar, como se dijo anteriormente, los recursos vocales de Ronnie II para cimentar unas canciones que se les quedarán en la mente enseguida. Y al final del día, las canciones son jodidamente buenas; de eso se trata todo y no hay que analizar en demasía cuando una pieza es de calidad; lo primordial es entretener al oyente y ser fiel a la idea conceptuada –si haces esto, ya tienes la pelea ganada. A mí me convencieron; he estado escuchando el álbum desde hace meses y todavía me atrapa.


Como toda buena banda, se despachan una introducción elegante llamada Doomsday Clockwork (muy buen título, lo admito). Un prólogo con mucho teclado y riffs entrecortados por parte de Tony Hernando en la guitarra nos da paso para el tema homónimo de la agrupación. Un corte directo sin muchas florituras instrumentales y que atrapa al oyente con las melodías de guitarras; Romero entrelaza momentos más pausados en las estrofas para luego explotar en los estribillos y rugir como un maldito león encolerizado. La estructura musical de la banda está bastante clara; las canciones siguen un plano muy específico y, sinceramente, lo tomas o lo dejas. Depende de tus preferencias, como con todo.

La siguiente en el tracklist –y una de las favoritas de un servidor- es uno de los singles del trabajo en cuestión, Nothing Left To Fear. El riff principal debe de ser mi favorito de toda la obra: es atrapante de principio a fin con la banda a toda potencia y con su vocalista marcándose una actuación fenomenal. Haciendo gala de su capacidad de hacer ganchos, la agrupación hispana hace énfasis en eso con esta canción y debemos decir que les sale bastante bien porque es extremadamente bueno. Would You Take Me marcaría, a mi criterio, la línea que seguirían en el álbum posterior y es que es un tema a medio tiempo con riffs entrecortados, una batería pronunciada de Andy, además de Ronnie cuajando una buena performance.


La canción más conocida de la banda es The World That Came After con su velocidad, los teclados tan predominantes y un Romero en estado de gracia. Tal vez aquí atestiguamos a la banda en su zona de comodidad y a sus anchas. Muy en esta índole tenemos a Too Close To The Edge y aquí sí notamos la influencia de Masterplan con mayor claridad; casi podemos sentir cómo Ronnie tomó nota de Lande y los instrumentistas a sus contrapartes germanas –ciertamente un corte muy deudor de sus influencias. Tal vez un poco más galopante es At The End of the World con sus teclados amenazantes y un ritmo que me recuerda levemente al comienzo de Phantom of the Opera de Maiden; aparte de eso, es un corte disfrutable con patrones rítmicos altamente gozadores. No hay que profundizar mucho con esta banda; su fuerte radica en componer buenas canciones y en valerse en su capacidad de entretener.

Forgive or Forget guarda ciertas reminiscencias con lo expuesto en Would You Take Me, pero un poco más melódica y sosegada en una línea más trabajada. A un servidor lo convence más este corte con su estribillo y unos riffs bastante claros. Una de las composiciones más completas, a mi criterio, es Out Of The Dark, con un tinte muy Power Metal y donde intuyo cierto toque de los Helloween en los primeros álbumes con Deris por esos pasajes tan alegres, melódicos y optimistas. Es una de las variaciones del álbum y queda bastante bien para agregar un poco de cambio a la cuestión. Como contraste, The Grand Design es un tanto más preponderante en su propuesta y se basa en riffs un tanto más brutos con un vocalista haciendo gala de su registro más agresivo.


The Art of Illusions, Pt1: Smoke and Mirrors se mantiene en una línea similar a The Grand Design al ser un medio tiempo aplastante con un esfuerzo en la guitarra claro en ideas, pasajes de batería pesados y su cantante en el rol principal, siendo el principal baluarte de la banda –tal vez sin él, sonarían mucho más genéricos. La segunda parte, The Man From Beyond, es más melódica en su comienzo, pero luego avanza para transmutar en uno de los cortes más acelerados del álbum. Ya aquí ya saben cómo va la cuestión: la misma idea conceptuada por la banda hasta este punto; ya sabrán aquí si les gusta o no. Una de las mejores piezas es la que termina el álbum, When Everything is Gone, con sus constantes cambios de ritmos y mayor incidencia en la parafernalia instrumental; aquí se le da rienda suelta a los músicos para que puedan mostrar su potencial y realmente deja buen sabor de boca para terminar el álbum.

Y ahí lo tienen. De verdad que no es un trabajo altamente complicado ni uno que cambiará la historia de la música, pero lo que carece en inventiva es altamente compensado en calidad y disfrute. Probablemente habrá más de un purista riéndose ante mi comentario, pero es la realidad: la idea principal de la música es entretener al oyente con sus composiciones y Lords of Black han sabido crear un compendio de canciones bastante gozadoras para cumplir esa meta. Como demuestra mi crítica, no hay mucha originalidad ni nada que requiera análisis extensivos pero eso es por añadidura y no por obligación; lo constituido aquí es un debut de una agrupación con las ideas claras y que prueba lo claros que están sus miembros a la hora de componer.

Lords of Black son un ejemplo moderno y vigente de que no todas las bandas nacen para romper paradigmas, sino para contribuir al género con buenos temas y manteniendo vivo el espíritu que tanto amamos del Metal; no veo nada de malo en un grupo que trate de hacer algo ya hecho si la calidad persiste. ¿Tú lo piensas?