Review: Steps of Odessa - Obsidian Skies

 

Progressive Metal is a very subcategory of the genre in the sense that it has a very large scope. Whether you take the likes of Dream Theater, Symphony X, Fates Warning, 80s Queensryche or Opeth, the only thing Progressive bands seem to have in common is the knack for virtuoso elements (and even those are not exclusive to this field) and the usual epic, which is not always a must.

But the other one element that all Progressive Metal bands seem to have is that desire to push the envelope and I think that is a byproduct of their technical abilities–the more you know your way around a musical instrument, the more curious you are going to be to try different stuff and see how far you can go. And while that can make Progressive Metal a bit self-indulgent at times with some bands, it can also contribute with some very entertaining and fascinating compositions.

All of that brings up to the protagonists of our review, Progressive Metal band Steps of Odessa. And they come back from Florida, whose scene was mostly known in the early 90s by the many great Death Metal acts they managed to produce at the time. In this case, Steps of Odessa is a Progressive Metal band that combines extreme Metal elements with the use of synthesizers, thus producing a very unique and experimental atmosphere.

In recent years they produced their debut EP, called Wasteland, and now they have released their most first full length album, Obsidian Skies, where they show the world what this band is all about: a straightforward combination of virtuoso elements, extreme music and a knack for melody when the moment is right. You are not going to find a lot of bands like Steps of Odessa trying to pull off many different things at the same time and while that can be hit and miss in certain songs, it doesn’t stop it from being a fascinating experience to listen to.

We only have to listen to the first synth notes in the opening title track to tell that this is a group that is not wasting their time–if there is a general complaint that Progressive Metal bands lack intensity, you don’t have to worry about that with Steps of Odessa. The chugging riffs definitely have a very modern feel, but the band also manages to add different rhythm changes throughout the whole thing and there are also quality switches to melodic moments that are a nice contrast to the usual heavy elements. The rhythm section is on point and the band manages to pack a lot of action in a little bit more than five minutes, which is explicit, to say the least.

A very decent opener and one that sets you in the mood for what’s to come.

I personally like a lot the guitar work in the second track, Enemy of Creation, as it shows the band in a more straightforward manner. It is one of the most intense tracks of the entire album and it shows the band relying a little bit less on synthesizers, so if you are one of those listeners that are not into that kind of sounds, then this track might be a good introduction about what the band is all about.

There is a middle section in Enemy of Creation where they slow down the tempo and it makes the song even better, in my mind, as a lot of bands tend to struggle with rhythm changes and doing so in a musical manner, but Steps of Odessa excel doing it with this particular track.

The musicians in this band are clearly talented and skillful with their instruments, but I love how they do so in a musical way, instead of falling in a very self-indulgent route. The vocals are still a bit of a turnoff for me because I’m not into those Hardcore-influences vocals–I prefer the old school guttural vocals of late 80s/early 90s Death Metal bands.

The introduction to the third track, Sledgod, is certainly much more melodic than anything that came before in this album and it shows how musically flexible Steps of Odessa can be. Here we have another important from the synths, but I personally think they fit quite well in this situation. The chorus is a strong part of the song, as the guitar parts perfectly add a much more melodic element to the whole thing–it is that focus on the details that is so important in this particular situation.

It is also worth pointing out the middle section, which gives a greater focus on the drum parts and how the band as a whole gives themselves a little room to breathe and add a slightly melodic interlude. It is one of the most interesting songs in the entire album, in my view, because it gives people the possibility of hearing them trying some different things–they are not as straightforward and heavy as they were in the two previous songs, but it is a certainly enjoyable track and I think it is one of Obsidian Skies’ high points, without a shadow of a doubt.

Talking about breathers, we take a short one with the interlude Ascension, showing the band’s more peaceful and calm approach to things. It’s a far cry from what we have heard so far, but it’s a welcomed change of sound in this particular situation–I think there is a certain value in variety when it comes to switching styles within the same album, if done right.

I have to say that Clouds is a weird track, but in a good way. It shows Steps of Odessa combining more melodic elements with a much more aggressive sound, thus allowing for a very unique atmosphere and sonic experience. There is something very natural in the way they change their sound throughout the song and how they seem to do it with ease, which to me is the key of any Progressive Metal band worth their salt.

And that is something that I feel should be taken into account when talking about Steps of Odessa: they are not your typical Progressive Metal band that has a lot of long songs, but they managed to pack the whole experience (virtuoso elements, rhythm changes, multiple sounds) into short songs and there is a virtue to that–in being able to do a lot in a short period of time.

Clouds seems to be a very good representation of where Steps of Odessa stands a band: an eclectic Metal band that can do a lot of things in a very short period of time. And I think that is why the song speaks to me that well: it is such a good showing of what they are all about.

I don’t know if R.E.M. has anything to do with the famous band, but it is quite likely the heaviest song of the entire album… and for some reason I’m not really a fan of this one. I don’t know, I think it lacks a bit of the technical aspects of the previous songs; there are some nice rhythm changes here and there, but nothing to write home about. It has some decent musicianship, but I think it is lacking the degree of energy that the previous songs had–it feels too generic, for my taste. Perhaps you are going to have a different perception than me, and that is totally fine.

And they seem to understand what I’m saying in the last paragraph because Goddess is a very fitting end to this experience. It’s a very heavy song, but with powerful riffs and guitar parts as a whole, complemented by pounding drums and one of the strongest vocal performances of the entire album, in my opinion. I love the synths in this song because it adds to the atmosphere and it makes the instrumental parts a lot more epic and memorable.

The more melodic elements of Goddess should be definitely taken into account as some of the entire album’s highlights and another example of how talented these musicians are. There are moments of genius in this song and a grand showing of what they can achieve when they are focused in pulling off a great song, so that is something worth taking into account when listening to this song.

Steps of Odessa is a good band. I wouldn’t say they are a great band yet because that is something they have to prove throughout their whole career–the quality and greatness of a group is shown through consistent output, not just one album. Having said that, there is potential here and I’m curious to see what this band can achieve as their career progresses because they can explore many different sounds with what they have done here and they can go to great lengths, if they want to, of course.

Focusing on Obsidian Skies, it’s an album that has a very clear notion of what they want to achieve on a musical scale and they do so in grand style. The vocals put me off a bit because they are not my cup of tea, but I’m sure there are a lot of listeners that have a lot more interest than me in that. On the other hand, the musicianship is top notch and worth your time if you’re into modern Extreme and Progressive Metal stuff.

A very solid debut album and an example that Progressive Metal can be a lot of different things for a lot of different people, so that is always something that we should keep in mind when talking about this subgenre.

Review: Fire and Flesh - The Art of Living.

If you want to read the Spanish version of this review, go here.
Si quieren leer la versión en español de esta critica, vayan acá.

It's been a long time since I last spoke here on the blog about Fire and Flesh, but these Americans have returned with their next single, The Art of Living.

One of the aspects that usually gets my attention while listening to bands is the fact that their sound progresses as time goes by and the different styles they can develop with years of experience and new influences that shape their sound towards something new and different.

In the case of Fire and Flesh and their single, The Art of Living, I notice a much more mature and consolidated sound, especially when listening to the work on the guitar during the introduction of the song; it has that classic touch, but at the same time it shows a desire of the group to go forward and try new directions with their sound.

The vocals are brutal, but with attitude and power, which is something that many bands tend to ignore. The chorus it’s very clear, finding a more than necessary balance between aggressiveness and melody, something that many extreme bands do not usually find. Remember: it's not just about being aggressive, but doing it with purpose.

I like the rhythm changes that we find in the song, which is something that I think they have managed to improve compared to the last album I reviewed about them. The work on the drums remains accelerated and powerful, perfectly complementing the guitar, which is undoubtedly the best part of the whole song.

From the perspective of being published as a single, I think it is a very good option because it has a lot of aggressiveness, but at the same time it has a more accessible and melodic mood that seems to me the most appropriate for this type of releases.

In general, Fire and Flesh are showing that they are a band in constant development and The Art of Living shows details that only a group that is in full growth and development can deliver.

A very good single to promote their next work and I will definitely be interested in how that album is going to sound like.

Critica: Fire and Flesh - The Art of Living

If you want to read the English version of this review, go here.
Si quieren leer la versión en ingles de esta critica, vayan para acá.

Ha pasado mucho tiempo desde la última vez que hable aquí en el blog de la banda Fire and Flesh, pero estos estadounidenses han regresado con su próximo single, The Art of Living.

Uno de los aspectos que más me llaman la atención de escuchar bandas es el hecho de como su sonido va progresando a medida que pasa el tiempo y los diferentes estilos que pueden llegar a desarrollar con años de experiencia y con nuevas influencias que moldean su sonido hacia algo nuevo y diferente.

En el caso de Fire and Flesh y su single, The Art of Living, noto un sonido mucho más maduro y consolidado, especialmente cuando se escucha el trabajo en la guitarra durante la introducción de la canción; tiene ese toque clásico, pero a la vez muestra un deseo de la agrupación de ir hacia adelante y probar nuevas direcciones con su sonido.

Las vocales son brutales, pero con actitud y potencia, lo que es algo que muchas bandas tienden a ignorar. El coro lo deja muy en claro, hallando un balance más que necesario entre la agresividad y la melodía, cosa que muchas bandas extremas no suelen encontrar. Recuerden: no se trata solo de ser agresivo, pero hacerlo con un propósito.

Me gustan los cambios de ritmo que encontramos en la canción, que es algo que creo que han sabido perfeccionar en comparación con el último álbum que pude reseñar de ellos. El trabajo de la batería se mantiene acelerado y potente, complementando perfectamente a la guitarra, que es sin lugar a dudas la mejor parte de toda la canción.

Desde la perspectiva de ser publicado como un single, creo que es una muy buena opción porque tiene mucha agresividad, pero al mismo tiempo tiene un talante más accesible y melódico que me parece el más apropiado para este tipo de publicaciones.

En general, Fire and Flesh están mostrando que son una banda en constante desarrollo y en The Art of Living se notan detalles que solo consigue un grupo que está en pleno crecimiento y desarrollo.

Un muy buen single para promover su próximo trabajo y definitivamente estaré interesado de cómo va a sonar ese álbum.

Review: Kenny K. Low - When Love Remembers

Voy a hacer una confusión: más allá de que mis predilecciones musicales viran predominantemente al Metal y el Rock, he de decir que tengo una cierta inclinación por las canciones de Pop de hace muchas décadas. Creo que todos tenemos nuestros placeres culposos y éste es ciertamente el mío.

Lo que nos lleva al protagonista de la ocasión, el vocalista Kenny K. Low, quien se está haciendo una carrera solista desde hace un par de años y que ha publicado su álbum de covers de canciones Pop clásicas, titulado When Love Remembers. He de decir que me encontré este álbum de manera muy repentina, con la ayuda de un amigo que tiene predilección por música de este tipo, pero he de decir que fue una sorpresa interesante y un cambio de ritmo aquí en el blog (que de todas maneras estaba muy abandonado).

Los álbumes de covers suelen ser un poco desafiantes para cualquier tipo de músico puesto que tienen que mantener la esencia de la canción original mientras le agregan algo de su propia cosecha. En este tema creo que Low hace un buen balance, dándole a las canciones un toque que se ajusta a su tono vocal, pero sin perder esa esencia que hicieron a esos clásicos lo que son.

When Love Remembers es también una celebración de una época en donde el Pop estaba en su apogeo y tenía una connotación musical que tristemente hoy no se tiene. He de admitir que mi pieza favorita de todo el álbum es Hello de Lionel Ritchie (lo que es interesante porque nunca me gustó la versión original), en donde Low se carga la canción al hombro con su actuación y podemos observar una tonalidad melódica que es realmente muy pegajosa y al mismo tiempo con suficiente emocionalidad para capturar al oyente.

Siempre va a ser complicado hacer un cover de Kenny Rogers; ése es un vocalista con un tono muy peculiar, pero su tocayo le hace justicia en Lady con esa aura de Jazz que encaja muy bien con esta canción. Casi no hay música; es Low quien le da significado a esta canción y lo hace de una manera que hace que a ti te importe, que es lo más importante con cualquier tema que se hace, al final del día. El saxofón es un buen toque y eleva este cover a ser uno de los mejores.

Crazy es otro cover de Rogers y te das cuenta que Low está en su zona, sobresaliendo de una manera muy impresionante. La canción tiene un porte muy melódico y relajante, por lo que no es de extrañar que sea una de las mejores composiciones de todo el trabajo. Pienso que es un cover hasta infravalorado, considerando la recepción del público (o al menos basándome en las personas que he leído opinando de este álbum).

Estas son las canciones que creo que más sobresalen de todo el álbum. No quiero decir con esto que el resto es malo. En absoluto. Es un álbum muy sólido y canciones como Even Now o Still son muy sobresalientes. She Believes in Me es un clásico absoluto y Low la canta con el respeto y dedicación que se merece. When You Say Nothing At All es uno de los puntos altos de todo este esfuerzo musical, haciéndole justicia al gran Keith Whitley.

En general, creo que When Love Remembers es un álbum más que disfrutable y con el que te vas a sentir muy conectado si disfrutas con baladas Pop clásicas de hace varias décadas. Low es un muy buen cantante y el tiempo pasa volando cuando escuchas su trabajo.

Review: Fire and Flesh - In Blood We Trust.

Nota del autor: si quieren leer la versión en español, vayan aquí.
Author's note: if you want to read the Spanish version, go here.

Debut albums are often a fascinating and mysterious experience for us listeners. It’s fascinating because it’s always interesting to listen to a band’s first output and see what they have to offer. On the other hand, it’s a mysterious experience due to the fact that you don’t know how the band is going to evolve from that point onwards–iconic and influential albums like Metallica’s Kill ‘em All or Death’s Scream Bloody Gore are great examples of how a band can make great and intense music and later on evolve to a very different sound.

While we cannot compare Fire and Flesh’s In Blood We Trust to those seminal works because of several reasons, it’s important to point out that although this is a pretty homogeneous album, musically speaking, there are still a few tidbits that show that we are in the presence of a band that has even more to offer in future albums and they know how to deliver the goods.

This band offers a very modern brand of extreme Metal, so we all know what that means: a lot of powerful riffs, demon-like gutturals and fast-paced drumming–we can assure that’s all there in this In Blood We Trust. The vocalist, Justin Nieto, screams and shrieks his head off during the vast majority of the album; both guitar players, Menendez and Smith, offer a lot of pounding riffs (and they are not too shabby when it comes to soloing, as the one in the opening track, No Hope for the Cowards, will show you) and the drummer, Vazquez Jr., is so fast that you would think that this is a machine, in Ram-It-Down-fashion (I did, so I checked to make sure he wasn’t).

One of the main traits of this album is its high pace; the vast majority of the songs are all fast-paced and they pummel you with a lot of intensity, with Nieto above the whole instrumentation like a beast screaming from the depths of a forest. There are tracks like Consecrated when they decide to slow things a bit and go for a more mid-tempo approach, adding a bit of rhythm and melody to it, but without giving away the intensity–props to both guitar players for the riffing and the great solo in this track. One of the high points of this In Blood We Trust, without a doubt.

Another main characteristic that you are going find in this album is the use of many voice recordings before and after the songs, mostly to transmit sociopolitical comments throughout the album. While it’s always interesting to see a band’s stand on politics and society, I would have to say that these interludes don’t add or take much from the album’s overarching structure.

A personal favorite of yours truly is No Hope for the Cowards. Man, what an opening track! After that subtle and effective introduction that is Signs of the Times, this is a great way to kick start an album and let everyone know what this band is all about. As I mentioned earlier, I think the solo in this track is really solid and it’s going to stand out from the rest of the song from the first moment you hear it; it’s always fun to listen to a guitar player shredding like the Menendez does in this song.

I think the title track, which was also one of the band’s teasers for the album before its release in 2017, is another strong case for Fire and Flesh because it shows the band at their strongest: devastating vocals, great guitar playing and drumming that would make Dave Lombardo proud. In the chorus of this track you can hear their influences in a clearer manner: it has a lot of that Bay Area sound going on (understandable, they are from the Bay Area), with vocals reminiscent of Phil Anselmo’s mid to late 90s period.

Before concluding, I would like to point out the quality of the album’s production. Since this was an independent release, I have to say that every instrument sounds crystal clear and with certain grit to it that makes an album of this ilk sound really, really well.

Overall, if you’re the kind of person who enjoys a modern extreme Metal album, then this is a great choice for you because it has all the things you want in a work of this nature. Perhaps the guys at Fire and Flesh didn’t come to the Metal scene to innovate or to turn things upside down, but they definitely came to do what they know best in great fashion and this In Blood We Trust is a powerful, violent and effective testimony of that.

Crítica: Fire and Flesh - In Blood We Trust

Nota del autor: si quieren leer la versión en inglés, vayan aquí.
Author's note: if you want to read the English version, go here.

Los álbumes debut suelen ser una experiencia fascinante y misteriosa para nosotros, los oyentes. Por un lado, es fascinante porque siempre es interesante escuchar la primera obra de una banda y ver lo que tienen que ofrecer. Por otro lado, es una experiencia misteriosa debido al hecho de que no sabes cómo va a evolucionar la banda a partir de esa entrega; álbumes icónicos e influyentes como el Kill ‘em All de Metallica o el Scream Bloody Gore de Death son grandes ejemplos de cómo un grupo puede hacer música intensa y de alta calidad y evolucionar a un sonido muy diferente, a posteriori.

Si bien es cierto que no podemos comparar el In Blood We Trust de Fire and Flesh con esos trabajos seminales por diversas razones, es importante señalar que aunque éste es un trabajo muy homogéneo musicalmente hablando, hay algunos detalles que muestran que estamos en presencia de una banda que tiene incluso más que ofrecer en futuros álbumes y que saben muy bien lo que están haciendo aquí.

Esta banda oriunda de la Bay Area de San Francisco (palabras mayores) ofrece un estilo muy moderno de Metal extremo, así que todos sabemos lo que eso significa: muchos riffs poderosos, guturales casi demoniacos y una batería muy rápida; puedo asegurarles que todo eso está en este In Blood We Trust. El vocalista, Justin Nieto, grita y abrasa en las vocales durante la gran mayoría del álbum; los dos guitarristas, Menendez y Smith, ofrecen muchos riffs portentosos (y tampoco son para nada malos cuando se trata de hacer solos, como el del primer tema, No Hope for the Cowards, les demostrará) y el baterista, Vazquez Jr., es tan rápido que pensarás que es una máquina grabada, como en el estilo del Ram It Down (yo lo pensé, así que tuve que verificar).

Uno de los rasgos principales de este álbum es su ritmo vertiginoso; la gran mayoría de las canciones son muy rápidas y te pasan por encima con mucha intensidad, con Nieto por encima de todo como una bestia gritando desde las profundidades de un bosque. Hay temas como Consecrated en donde deciden bajar un poco las revoluciones y optan por un enfoque más de medio tempo, agregando un poco de ritmo y melodía, pero sin dejar de lado la intensidad; reconocimiento a ambos guitarristas por la calidad de los riffs y el solo en esta canción. Uno de los puntos altos del In Blood We Trust, sin lugar a dudas.

Otra característica que van a encontrar en este álbum es el uso de muchas voces pregrabadas antes y después de las canciones, principalmente para transmitir mensajes sociopolíticos a través de la obra. Aunque siempre es interesante ver y conocer la postura de una banda con respecto a la política y a la sociedad, he de decir que estos interludios no suman ni restan a la estructura general del álbum.

Una de las favoritas de un servidor es No Hope for the Cowards. ¡Qué buena manera de iniciar un álbum! Después de la introducción sutil y efectiva que es Signs of the Times, éste es un muy buen modo de iniciar el trabajo y hacer saber a todo el mundo de lo que se trata esta banda. Como mencioné antes, pienso que el solo de esta canción es realmente sólido y que va a sobresalir sobre el resto de la canción desde el primero momento que lo escuchen; siempre es divertido escuchar a un guitarrista hacer solos como Menendez en esta canción.

Pienso que el tema título, que también fue uno de los adelantos de la banda antes de la publicación del álbum en 2017, es otra muestra sólida de los talentos de Fire and Flesh porque los muestra en su punto más fuerte tras una introducción más sosegada y melódica: vocales devastadoras, muy buenas guitarras y una batería portentosa que haría sentir orgulloso a Dave Lombardo. En el estribillo de esta canción puedes oír las influencias de la banda de forma más clara: tiene mucho de ese sonido de la Bay Area (comprensible, considerando que ellos son de la Bay Area), con vocales reminiscentes a las de Phil Anselmo a mediados y finales de los noventa.

Antes de concluir, me gustaría señalar la calidad de la producción del In Blood We Trust. Ya que ésta fue una entrega independiente, debo decir que cada instrumento suena claramente y con un cierto toque filoso que hace un trabajo de este estilo suene muy, muy bien.

En general, si eres el tipo de persona que disfruta un álbum de Metal extremo moderno, entonces ésta es una gran opción para ti porque tiene todos los elementos que buscas en un trabajo de esta naturaleza. Tal vez los chicos de Fire and Flesh no han venido a la escena metalera para innovar, pero definitivamente vinieron a hacer lo que saben con estilo y éste In Blood We Trust es un poderoso, violento y efectivo testimonio de ello.

Crítica: Permanent Vacation, el glorioso retorno de Aerosmith.

Adáptate o muere. Ésa parece ser la consigna del hombre en los últimos tiempos: el tener que aceptar los diferentes cambios que se desarrollan en su entorno de manera forzada o natural y encontrar la manera de convivir con éstos, o invariablemente convertirse en una pieza desechable del gran engranaje de la vida. Ahora bien, adaptarse a los cambios es algo que puede ser hecho por más personas de las que creemos; es algo sencillo en algunos sectores, incluso. La verdadera dificultad radica en balancearse sobre la afilada navaja de la identidad y no perder esos elementos característicos que hacen a esa persona ser ella misma; entra a la escena el Permanent Vacation, el regreso glorioso de Aerosmith a la gran palestra musical y que nunca debieron abandonar para hacernos entender la naturaleza de la adaptación.

El álbum de 1987 es un trabajo muy renombrado, discutido y querido entre los aficionados de la banda de Boston. Renombrado porque vendió una alta cantidad de copias, posicionándolos entre los grandes del momento después de casi una década en la obscuridad, cosa que no le sienta nada bien a unos músicos tan buenos (y facheros, hay que decirlos) como éstos; discutido porque para muchos seguidores de la banda significó el comienzo del fin y el punto exacto donde se encomendaron al “showbiz” para salvar sus carreras; y querido porque, simple y llanamente, es condenadamente bueno. Permanent Vacation es todas esas cosas y muchas más; es un punto de quiebre en la trayectoria de la agrupación y Aerosmith no volvería a sonar como en los 70s nunca más tras la realización de esta obra. Guste o no, es la bisagra que divide el catálogo del grupo y simboliza un antes y un después en la manera de componer; si no me creen, el propio Tom Hamilton, bajista de la banda, admite en la biografía oficial del grupo que “tuvimos que examinar todo nuestro proceso de componer y reestructurarlo”. No hay nada particularmente malo con esa frase –experimentar y cambiar es parte de la vida del artista-, pero es el cómo lo que incomodó a muchos seguidores e incluso provocó la iracundia de los más irredentos. Pero todo tiene su motivo y vamos a analizarlo.

Regresamos a 1985 y el álbum de reunión con el gran Joe Perry y Brad Whitford, Done With Mirrors, fue el primer esfuerzo de la banda para reconquistar el imperio perdido y, aunque a un servidor le parece bastante bueno, no se tradujo en las mejores opiniones y tampoco fue un éxito de ventas. Aunado a eso, todo el grupo estaba inmerso en una vorágine descendente de adicciones de la que parecían no hallar salida y habían quedado en un segundo plano por agrupaciones que habían crecido escuchándolos y tomando cosas de ellos como Quiet Riot, Ratt, Stryper, Mötley Crüe y un infinito etcétera de spandex y melenas cardadas. En un juego de Hard Rock sensual, sucio y fachero, Aerosmith estaba relegado por la nueva generación. Cómo habían caído los poderosos.

Y fue en esa marea de problemas económicos, de adicciones y poco éxito musical que, en 1986, el grupo de Rap, Run-D.M.C., le pidieron a Perry y a Steven Tyler que participaran en su versión de Walk This Way para su álbum Raising Hell. El video teniendo a Run-D.M.C. rapeando la canción mientras que en otra habitación Perry y Tyler hacían lo suyo respectivamente fue un hit de altas proporciones; era el tipo de triunfo que los “Toxic Twins” necesitaban para recordar el sabor de la champagne y, más importante aún, lo bien que esto se sentía. Vamos a ser claros con algo: Aerosmith es una banda adicta al éxito comercial y siempre lo han sido. Les encanta vender millones, tocar en grandes arenas y si pueden hacer tremendos álbumes en el proceso, lo harán. Sin esa necesidad de grandeza, sin ese deseo imperante de estar en las portadas de las revistas y que todo el mundo se conozca sus canciones (así sean baladas que provoquen diabetes), esta banda se hubiera muerto tras su debut homónimo, que pocas ventas tuvo. Permanent Vacation los muestra recuperando ese deseo de gloria y hacer lo que sea para triunfar, así sea recurrir a las infames “artes oscuras” del mundo de la música.

Para la realización de este álbum, en el que contaban con el apoyo un poco restringido de Geffen Records, los cinco miembros entraron en un régimen duro de rehabilitación para empujar todos esos vicios que los estaban consumiendo y decidieron aplicar una metodología de trabajo un tanto diferente, como apuntamos antes: compositores externos. Y no sólo cualquier grupo de compositores externos, sino algunos responsables de los hits más icónicos de los 80s: Desmond Child, Jim Vallance y Holly Knight. Agregamos a esa ecuación al productor Bruce Fairbairn, quien trabajaría con ellos en los dos próximos álbumes (y qué álbumes, Pump y Get A Grip), siendo uno de los principales baluartes de la resurrección de los de Boston. Un personal totalmente enfocado en que Aerosmith sonara lo más pulido, accesible y preciso posible. Que sus melodías de Rock fiestero y alegre se quedaran en la cabeza del oyente con solo una escucha descuidada. Tampoco era una misión complicada puesto que Tyler y Perry, las principales mentes de esta operación de reconquista, estaban enfrascados en sonar así y su música siempre tuvo ese ápice accesible y disfrutable que tienen todas las grandes bandas y artistas. Si hablamos de bandas de Rock estadounidense, solo KISS se le acerca a los Aerosmith de los 70s en términos de popularidad.

Combinamos ese contexto, esos agentes externos y la disposición de la banda por dar un golpe en la mesa y tenemos Permanent Vacation, un trabajo y detallado esfuerzo musical por atrapar el mercado musical. Que nadie se confunda: el álbum del ’87 es deliberadamente adictivo y cada canción, cada nota y cada letra está trabajada para funcionar. Una sola escucha, tras haber degustado el catálogo previo del grupo, nos hará saber que distamos mucho de los tiempos crudos e incluso orgánicos de Get Your Wings o Rocks, por mencionar dos ejemplos, teniendo en cambio un álbum muy ochentero, pero que aún tiene ese sello que ha hecho a esta banda tan grande. Hasta la portada, contrastando el rojo del diseño con el amarillo del logo, nos dice que algo diferente va a pasar aquí. Siguen siendo Aerosmith, pero en su versión de los 80s y ultra pulidos para asegurarse de que todos los capten. Por si hay dudas, por supuesto. ¿Y quién puede criticarles si suena tremendo y les dieron cinco millones de ventas? ¡Todos ganan!

Ya sabemos que esto ha cambiado y que Aerosmith no vienen a conformarse con un álbum de medio pelo cuando Heart’s Done Time ataca con ese redoble de batería estridente de Joey Kramer, demostrando que recibió el tratamiento sonoro de casi todas las baterías de los 80s, y que Tyler chilla como no se le escuchaba en un buen rato. Debe ser uno de los inicios que más se me ha grabado en la cabeza. La canción como tal es maravillosa: la producción es clara como un cristal pulido, cada riff de guitarra y cada golpeteo de batería se escucha con precisión, las vocales de Tyler suenan de órdago y todo eso está bien empaquetado en una composición que hace lo que un buen opener debe hacer: despertarnos, adentrarnos al mundo del álbum y engancharnos. Perry y Whitford suenan más estridentes que nunca y eso será una constante en una obra llena de sorpresas. Como su título, la canción irradia vacaciones, playa y verano: es un tema muy en la línea del nuevo Aerosmith.

Continuamos con tal vez mi canción favorita de la banda y la que me terminó de convencer con el álbum tras Heart’s Done Time, Magic Touch. Un ejercicio magistral de lo que es el Hard Rock de los 80s, como si los de Boston les dijeran a la vastedad de grupos Glam que el que tuvo retuvo y que sabe de qué se trata esto. Kramer está como una ametralladora en la canción, las dos guitarras son magistrales con una energía inusitada en años y Tyler suena como un hombre renacido, que cree en cada línea que canta. Esta canción suena como el álbum y la banda en este punto de sus carreras: refrescante, llena de energía y rebosante de vida. Es una composición que va a por todas y sirve para demostrar a más de uno que estos muchachos saben de algo más que baladas. Simplemente genial.

El álbum produjo varios hits y videos musicales que ahora son sagrados de los 80s, uno de éstos siendo la juguetona Rag Doll. Debe ser mi debilidad por la voz de Tyler, pero esta canción siempre me ha gustado y con otro vocalista probablemente no hubiera sido el caso: las secciones viento, el ritmo tan alegre y la batería atronadora y rítmica hacen un contrapeso notable a un Tyler soberano que se carga el peso de la pieza y se nota que realmente estaba disfrutando con esas improvisaciones que hace al final. Simoriah es otro tema poco conocido de su catálogo y es un tema veloz para los estándares del grupo, con unos punteos muy buenos y un Kramer cuyo trabajo en general es sobresaliente en Permanent Vacation. Tyler en su línea: robándose el show. Pero me quedo con los instrumentistas que realmente hacen que la canción gane enteros y sea muy disfrutable, en especial Perry haciendo de las suyas en el solo. Ciertamente ya no estamos escuchando la crudeza y el tono añejo de Nobody’s Fault, Back in the Saddle o Toys in the Attic, pero tienen el gancho y tienen la calidad.

Dude (Looks Like A Lady) es otro single y sigue la línea expuesta por Rag Doll, con su estilo fiestero, sus secciones de viento y en general aires alegres. Una diatriba de Tyler muy a su estilo contra Vince Neil de Mötley Crüe, quien se peleaba con todo el mundo por esa época, esta canción nunca fue una de mis favoritas; puedo escucharla y tal vez tararearla un poco, pero hasta ahí. No soy muy fan de ésta, siendo sincero. Para recuperar algo de su pasado, para demostrar que aún tienen eso del Blues de sus comienzos, St. John parece entrelazar sus primeros temas con la producción ultra-pulcra de este álbum, haciendo un hibrido que a un servidor le encanta. Como pueden imaginar, Perry y Whitford son protagonistas aquí y suenan pletóricos, muy energéticos y con ganas de comerse al mundo, como no se les escuchaba desde Rocks, si me preguntan.

Las adicciones dejan secuelas y malos recuerdos; cicatrices con las que uno debe marchar por esta tierra y los de Aerosmith, habiéndose gastado la fortuna de un país pequeño en drogas y demás, conocen esta moraleja bastante bien. Hangman Jury es una letra de precaución acerca de sus adicciones y se sumergen aún más en las aguas Blues de la canción previa, con un Tyler experimentando con su voz y gozando con su dichosa harmónica. Girl Keeps Coming Apart se puede describir en una sola palabra: pegajosa. Es increíblemente adictiva y pegajosa, que no se necesita mucho esfuerzo para que se quede en tu cabeza y las secciones de viento –tal vez la única banda de Hard Rock que han usado estos instrumentos tan seguido- me parecen bastante buenas, aunque mis inclinaciones musicales no estén tan volcadas por ese lado.

Y llegamos a la pieza de la discordia; la canción cuyo éxito muchos han calificado como el comienzo del fin de Aerosmith como una banda de buen Hard Rock. Angel es la declaración absoluta de que el grupo estaba en una búsqueda perenne por el éxito, vender millones y ser aclamados de nuevo como un nombre de clase mundial. Una balada romántica altamente comercial, con Child aportando en la composición, un video musical extremadamente cursi y que está descaradamente diseñado para vender, como si les importara un demonio que los atacaran por eso. ¿Y quieren saber cuál es la peor parte? ¡Que es muy buena! Y lo digo sin que me tiemble el pulso porque dejando de lado todas las discusiones acerca de integridad artística, lo primordial para un buen músico es hacer una canción que atrape y esta balada azucarada lo es, nos guste o no. O tal vez me he suavizado con el tiempo; de Celtic Frost y Dissection no puede vivir el hombre. Aun así, comprendo la rabia y descontento con esta canción: aunque Angel me parece una gran composición, marcó la fórmula de sus baladas por el resto de sus carreras y cada una parecía perder un poco de esa magia que las hacía tan geniales para empezar. En ese sentido, puedo entenderlo. Ahora, estando ustedes en la posición de estos cinco caballeros, acostumbrados a un cierto estatus y logros, ¿no hubieran hecho lo mismo? Tal vez no porque no todos somos iguales. Pero me inclino a que la mayoría hubiera hecho lo mismo.

El tema título parece, como muchos momentos del álbum, beber del mismo pozo que todas las bandas del Sunset Strip y emana ese aura descarado que se puede escuchar en un Bon Jovi o en un Cinderella de los comienzos. Me parece un corte solvente, pero poco más; rara vez lo escucho cuando me siento a degustar este álbum y opino que tal vez haberlo hecho un poco más directo como Heart’s Done Time o Magic Touch hubiera sido más beneficioso. De todas formas, Perry hace buenos punteos de guitarra y eso siempre es motivo de alegría. Como si quisieran mostrar una vez más su versatilidad, meten en el álbum un cover de The Beatles de la canción I’m Down, con la banda en estado gracia y un Tyler que suena, como siempre en Permanent Vacation, imperial con esos chillidos al final que son simplemente demoledores. Breve, pero efectivo el cover. Y para terminar, una instrumental de carácter sombrío y serio (al menos para una banda tan alegre como Aerosmith) llamada The Movie donde al pobre Hamilton por fin le dan su momento para sobresalir y se desarrolla en una pieza disfrutable, sin mencionar curiosa en el catálogo de la banda.

Y como hemos mencionado en varios pasajes de la crítica, Permanent Vacation volvió a encumbrar a Aerosmith, vendieron millones de copia y pudieron conquistar a una nueva generación de fans, reinventándose en el proceso. Tal vez el grupo de los 70s que mejor supo adaptarse a los tiempos que se fraguaban en esa década. Geffen Records lo sabía y decidieron exprimir a su nueva gallina de los huevos dorados llevándola de gira con un grupo de telonero que estaba promoviendo su nuevo álbum: unos tales Guns ‘n’ Roses. Los resultados por supuesto fueron hilarantes con Axel y compañía teniendo que controlar y disimular sus adicciones porque Tyler, Perry y los demás les dijeron que no querían ver ninguna de esas cosas. De todas maneras, eso no podía evitar la curva ascendente de los de Boston por ese entonces y eso se tradujo en otro álbum monumental como Pump y abrir la siguiente década con otro bombazo como Get A Grip, haciendo que Aerosmith descansaran en el panteón de los grandes del Rock para toda la eternidad. Claro, luego el rey comenzó a sangrar y a demostrar que era humano, produciendo álbumes y singles no tan buenos (que seguían vendiendo, eso sí) como muestra de que las ambiciones tal vez se estaban perdiendo. Nunca sabremos si hubiera sido lo mismo si nunca hubieran aceptado cambiar para el álbum del ’87, pero todos sabemos que las cosas no volvieron a ser las mismas después de éste.

Al final del día, Permanent Vacation es un álbum de Hard Rock fenomenal, lleno de vitalidad y que exclama a gritos que ésta es una banda que se puso las pilas una vez más. Uno de los mejores trabajos de retornos de la historia, sin apelantes. El álbum que demostró que Aerosmith aún tenían el “toque mágico”.

Crítica: Obituary – World Demise

El Death Metal a finales de los 80s y a principios de los 90s fue, a mis ojos, una de las revoluciones musicales más puras y excitantes en todas las vertientes rockeras y metaleras que han surgido en las últimas seis décadas. ¿Hipérbole? No lo creo. Pocos movimientos musicales han nacido con un ideario tan claro y que tuviera una sucesión de escenas tan prolíficas en tan poco tiempo; a finales de los 80s y a principios de los 90s se formaron un cúmulo de agrupaciones que tomaron su base del Thrash y lo llevaron a paradigmas más cruentos, avasalladores y oscuros que, simple y llanamente, sobrepasaron muchos de los límites que sus coetáneos no pudieron (o no quisieron) romper. Sin pasar la raya del extremismo radical del Black Metal noruego, el Death Metal fue, por esos años, la máxima expresión de brutalidad que el género podía ostentar. Y la revolución Deather a principios de la década noventera probó que había cabida en el mercado para grupos como Morbid Angel, Death, Deicide, Entombed, Carcass, Cannibal Corpse y nuestros protagonistas de hoy, Obituary. Y éstos últimos fueron vitales para demostrar que todos los senderos no estaban transitados y que había mucho más por recorrer.

La banda de los hermanos Tardy ya era, a mediados de los 90s, uno de los grupos por antonomasia del mundo del Death Metal con su propuesta de riffs embrutecidos, velocidad reminiscente al Thrash y un John Tardy que era (y es) una bestia invocada por los mismísimos infiernos en las vocales. Sus letras dibujaban esas imágenes de muerte, tinieblas y torturas que uno podía visualizar mediante su música; eran la agrupación que encarnaba todas las idiosincrasias del Death Metal y además de eso, eran uno de los grupos más solventes en el área de mercadeo –solo hay que ver cómo su tercer trabajo, The End Complete, es uno de los álbumes más vendidos de la historia del sub-género. Pero como dijimos en el primer párrafo, habían senderos que no habían sido transitados para muchos de estos grupos y ya a mediados de la década de los 90s, el Death Metal comenzó a entrar en un proceso de reestructuración donde tocaba probar con fórmulas nuevas y en 1994, Obituary hizo caso a esa instrucción con su cuarta obra, World Demise. Uno de esos primeros coqueteos de los de Tampa con caminos no tan arraigados a los puristas del Death crudo y abrasivo, pero aún manteniendo la esencia de lo que los hizo inmortales en el mundo de nuestra música.

Como dijimos en la crítica del Burn My Eyes, el Groove Metal había surgido en el intermdio de la década como una alternativa sonora donde predominaban los riffs y los ritmos más contundentes; nuestros muchachos de la escena Deather supieron percatarse de la escena que se estaba montando en su país y decidieron agregar elementos de la misma a su sonido netamente agresivo y avasallador. World Demise no solo presenta a uno de los bastiones principales del Death Metal ralentizando su sonido y añadiendo riffs más mugrosos, sino también haciendo un cambio de estilo en sus letras: aquí abrazan unos conceptos líricos más vinculados a la crítica social acerca del medio ambiente y pertrechos al maldito ser humano que no para de matar al mundo en el que vive. Pocos álbumes lidian con este tipo de temáticas en sus letras y es un motivo por el cual World Demise sobresale como una de las ofrendas musicales más interesantes del extenso catálogo de Obituary: una habilidad para mantener la (im)pureza de su sonido y aún así alterarlo hacia un mercado más extenso. Incluso en la portada dejan atrás las masacres, las imágenes oscuras o tenebrosas para dar paso a la realidad de la contaminación, que es al final del día la verdadera tenebrosidad del mundo. Comprendieron que no hay mayor brutalidad que lo real e invocaron a los demonios más sinceros que pueden existir: los seres humanos.

Nuestra espiral descendente de la condición humana comienza con un trallazo en toda la extensión de la palabra como es Don’t Care, que es un corte que encarna las idiosincrasias del trabajo en su totalidad. Este tema fue el título de un pequeño EP que publicaron antes del álbum y supone una declaración muy clara de sus intenciones puesto que los riffs son más brutos y básicos en comparación con lo hecho anteriormente; pero que aún disponen con la fuerza y el buen hacer de la agrupación. Mucho énfasis en las guitarras de Peres y West y las vocales de ultratumba de John Tardy que suena más deshumanizado que nunca; una encarnación apropiada de la idea del álbum. Un poco más monolítica y con tintes de himno es el tema título, donde la batería de Donald Tardy impera más; oído a esos pasajes que suenan casi a nave alienígena –lo sé, es una referencia estúpida, pero es lo que se me ocurrió al escucharlo- y que le da un porte un poco más épico a la canción.

Burned In comienza lenta, taciturna, como quien no quiere la cosa; una vez que prorrumpe la voz de Tardy nos lanzan a su clásico sonido fangoso y que aquí ha ganado ciertas tonalidades de Thrash y Groove; es realmente un corte arquetípico de la agrupación. El siguiente tema me gusta bastante; Redefine es una composición que inicia con unas voces pregrabadas y que explota con una estructura un poco más rítmica que las canciones previas y que incluso, sin ánimos de sonar controversial, me recuerda en sus momentos más álgidos a lo que haría Sepultura con el álbum Roots en el ’96 –tal vez Max y compañía tomaron algún que otro dato de esta pieza. Más cambios de ritmos y revoluciones se muestran en Paralyzing, que es quizás una de las piezas que más se asemeja a las de sus primeros álbumes y que servirá como un punto de remembranza para los aficionados que estén clamando por algo un poco más clásico; estoy seguro que su alta velocidad y sus pasajes un tanto intricados alegrarán a los oyentes más exigentes de este rubro.

Tal vez uno de los defectos del trabajo es lo homogéneo que puede llegar a sonar puesto que hay muchas similitudes entre varias de las canciones, cosa que se puede demostrar en cortes como Solid State, Splattered o Final Thoughts. Aunque los de Obituary nunca han sido los más virtuosos a la hora de escribir, les recomiendo su lectura porque considero bastante encomiable a una agrupación que se salga de su zona de comodidad para redactar ideas un tanto más intricadas y trabajadas. Más tralla de la buena con Boiling Point, Set In Stone y Kill For Me. Realmente no hay mucho que un servidor pueda acotar ya que muchas de las canciones se basan en la contundencia de las guitarras, un modelo de composición muy basado en medio tiempos que solamente pueden ser definidos como fangosos y un Tardy que está, como siempre, pletórico.

World Demise fue el intento de Obituary de desmarcarse de los paradigmas en los que se hallaban y entablar un trabajo que fuera un poco más atrevido y con un mensaje mucho más trascendental que las típicas líricas sobre matanzas, zombies y descomposiciones corporales. Y aunque musicalmente hablando tal vez palidezca en comparación con sus hermanos mayores, esta obra de los de Tampa supone el primer intento por mantenerse relevante en el mundo del Metal e ir más allá de una escena que ya comenzaba a cansarse de las bandas de Death Metal que trataban con líneas musicales y compositivas bastante similares. Siendo uno de los grupos más icónicos y representativos del movimiento, supieron tomar al toro por los cuernos y arriesgarse con una obra que, a criterio de un servidor, gustará tanto a propios como extraños. Solo se necesita una mente abierta. O citando a Obituary: ¿Acaso no te importa?